Para principios del mes de junio, la CDEEE llamará a la licitación del proyecto de Manzanillo, Montecristi, el cual no sólo incluirá la construcción de una unidad a ciclo combinado de 500 megavatios en gas natural, sino además la construcción de una nueva terminal de gas natural en esa zona, con lo cual se garantizará el abastecimiento constante del combustible.

En un encuentro con periodistas, Rubén Bichara, vicepresidente ejecutivo de la CDEEE, informó que estas dos plantas serán construidas mediante la modalidad llave en mano por empresas privadas, pero tan pronto terminen, las entregan al Gobierno, pues se trata de dos grandes unidades de generación “propiedad del Estado”, las cuales estarán listas en su primera etapa (ciclo simple) entre 2015 y 2017. A ciclo simple las dos unidades de carbón generarían 600 megavatios, que subirían en conjunto a 900 megavatios con el ciclo combinado. La unidad de gas de 350 megavatios, llegaría a 500 megavatios en ciclo combinado.

Avanzando

Aunque algunos sectores ven lentitud en la gestión energética del Gobierno, la realidad es que se ha estado trabajando. Ya las autoridades identificaron las manifestaciones de interés de varias entidades financieras de Estados Unidos interesadas en financiar hasta 1,000 millones para estos proyectos. Una vez ganen las empresas licitadoras para la construcción, podrán gestionar esos recursos con el aval soberano del Estado.

Pero además, para asegurar el inicio del proyecto, en el presupuesto de este año hay habilitados US$150 millones a ser desembolsados de inmediato.
Bichara expresó que lo más importante es el hecho de que los estudios de factibilidad, ubicación, suelo, condición del agua, infraestructura vial y portuaria y medio ambiente ya están listos y serán entregados por la empresa Stanley Consulting el 18 de este mes.

“El presidente Medina tiene la firme decisión de que le busquemos solución definitiva a la crisis eléctrica”, espresó Bichara. Dijo que la instalación de plantas es complicada, porque no es sólo la construcción, hay que conseguir financiamiento para hacerla y además, contratar previamente la compra del gas natural y para eso hay que dejar un depósito de entre 500 y 800 millones de dólares, de garatía de despacho.

“Es una tarea difícil, pero hay que arrancar. Si nos quedamos pensando no hacemos nada, pero nosotros vamos a empezar y terminaremos estos dos proyectos”, acotó.

Convoca a las empresas de energía interesadas

En un anuncio que se publica en esta edición, la CDEEE ofrece detalles sobre la convocatoria a licitación de las empresas interesadas en el proyecto de construcción de las plantas de carbón mineral. La intención de la CDEEE es que empresas especializadas construyan los proyectos, pero serán propiedad del Estado, para garantizar el equilibrio y el suministro constante de energía en el mercado, de forma que los precios sean más competitivos.

Tomado de: http://elcaribe.com.do

Steve Forrest, aunque logró su popularidad en la televisión con sus apariciones en series como ‘Bonanza’, ‘El Virginiano’, ‘El fugitivo’ y, por supuesto, ‘Los hombres de Harrelson’, comenzó su carrera en el cine clásico participando en películas en las que compartió cartel con actores como Richard Widmarck, Robert Taylor o Tyrone Power.

El actor norteamericano consiguió su gran papel interpretando al teniente Dan Hondo Harrelson en ‘SWAT’, nombre original de la serie que en España fue traducida como ‘Los hombres de Harrelson’. La ficción se basaba en las peripecias de una unidad de elite de la policía encargada de resolver las situaciones más extremas.

30 años después de su emisión en televisión Hollywood llevo la historia a la gran pantalla en la película ‘S.W.A.T.’ protagonizada por Colin Farrell y en la que Steve Forrest hizo un pequeño cameo.

Objetivo conseguido. La Casa de Alba ha logrado el ’cash’ que buscaba para sostener su patrimonio. Ayer, en una venta que Christie’s ha calificado de “excepcional”, la familia de la duquesa de Alba recaudó nada menos que 6.129.500€ tras sacar a subasta algunas piezas y muebles concebidos por el famoso diseñador ‘ard decó’ francés Albert Rateau para el baño del Palacio de Liria, en Madrid

Del conjunto que se subastó ayer por la tarde en París, la pieza que más valor alcanzó han sido dos lámparas de pie de pájaros de bronce. Cada una de ellas se subastó por 1.665.500 euros y ambas fueron adquiridas por el mismo comprador. Otra de las mejore vendidas fue una mesa baja de pájaros en mármol, que también se vendió por 1.665.500 euros. También se vendió el tocador por 661.500, mientras que el sofá de cama (lit de repos) de leopardo con respaldo alcanzó los 421.500 euros, mientras que la bañera de mármol blanco de Carrara se vendió por 61.500, la pieza más barata.

El único lote que se quedó sin comprador fue el sofá estilo canapé de cuello de cisne en madera tallada y dorada valorada entre 200.000 y 300.000 euros. Aún así, Christie’s está muy satisfecha con la venta tanto por el valor del artista, como por la cifra alcanzada y el origen del conjunto.

La Casa de Alba ha asegurado en un comunicado que están “muy contentos con los resultados Christie’s ha alcanzado en el mobiliario creado por Armand Albert Rateau para el duque de Alba, don Jacobo Fitz-James Stuart, en la década de 1920. Los ingresos totales de la venta serán utilizados para apoyar el patrimonio de la Casa de Alba y sus diversos palacios por toda España, así como apoyar los nuevos proyectos para la familia”

Regalo de bodas del padre de la duquesa a su mujer

Este conjunto, que para la subasta se trasladó a una de las salas de Christie’s, fue un regalo de Jacobo Fitz-James Stuart a su mujer, María del Rosario de Silva, por su boda. Fue un encargo del duque de Alba a este decorador francés, que a sus 37 años de aquel entonces era ya uno de los más prestigiosos del momento.

Este conjunto, calificado como único, ha llegado a la actualidad de manera casi milagrosa ya que la casa de Alba los había guardado para conservarlos durante la Guerra Civil española, lo que evitó que terminaran destruyéndose después, como sucedió con parte del edificio

Marc Clotet, el atractivo protagonista de la serie Amar es para siempre y actor de La Estrella, fue recibido entre gritos y suspiros de sus fans a su llegada a los cines. Muy elegante con un traje de chaqueta en color negro, el actor posó para los fotógrafos. Como ya adelantó a sus fans en el encuentro digital que mantuvimos con Clotet en hola.com, su papel de Salva, el novio de la protagonista, “ es especial porque es un personaje muy distinto a todos los que he interpretado hasta ahora. Me encantó el guión y la riqueza que tiene Salva como personaje”. El actor tuvo palabras de elogio para sus dos compañeras de reparto, Ingrid Rubio, que hace el papel de Estrella, y Carmen Machi,  la mejor amiga de la protagonista. “Con Ingrid nos entendimos desde el primer momento y ha sido un gusto poder trabajar a su lado y aprender de su talento. Y con Carmen no he tenido ninguna escena a su lado pero es alguién increíble y una actriz de pies a cabeza”.

Esta emocionante película cuenta la historia de Estrella,una mujer real, que se desvive por los suyos, que aprende a quererse y a ser independiente, al tiempo que lucha por conservar su historia de amor. Es una cinta que habla del amor verdadero en contraposición a las relaciones tóxicas, es una historia de felicidad y, sobretodo, del derecho de todos a buscarla y a encontrarla, a brillar con luz propia.

http://www.hola.com

Ayer fue un día feliz en Cannes. No es fácil que, en una misma jornada, lluevan aplausos como chuzos de punta. ¿Los culpables de esta borrasca de vítores? Abdellatif Kechiche y Alexander Payne, firmes candidatos a la Palma de Oro. ¿Sus objetivos? Tomarle el pulso a la vida, seguir sus pasos, medir sus vibraciones y descubrimientos. El cineasta tunecino logró que las tres horas de «La vie d’Adèle. Chapitre 1 et 2» pasaran como una exhalación: su película puede parecer escandalosa –incluye al menos tres escenas de sexo lésbico que algún despistado podría asociar con porno doméstico y provocativo–, pero en su pasión por definir la esencia del primer amor de una adolescente, nos regala un trozo de vida fascinante.

En «Nebraska» Payne se coloca en la copa del árbol genealógico, abraza la tercera edad de su protagonista para echarle una mano y hace balance, mientras contempla los paisajes del estado que da título a su modesta elegía como si hubiera descubierto un álbum de fotos en el desván de su casa, la vida en hermoso blanco y negro.

«La vie d’Adèle» arranca con la lectura de «La vida de Marianne», de Marivaux. Y así arrancó la rueda de prensa, con Kechiche evocando al dramaturgo francés de la Ilustración, al que ya citaba profusamente en su ópera prima, «La escurridiza», y cuya obra más célebre, «Juego del amor y del azar», podría ser subtítulo elocuente para «La vie d’Adèle». Marivaux habla del flechazo, se pregunta si nuestro corazón pesa más o menos después de recibir el impacto del primer amor. Toda la película puede entenderse como la precisa medición del corazón de Adèle, de sus latidos y arritmias: de cómo, siendo estudiante de instituto, se enamora locamente de Emma (Léa Seydoux); de cómo descubre su voraz sexualidad; de cómo el ambiente en que han crecido cada una de ellas determinará sutilmente la evolución de sus afectos.

Deshagamos el equívoco: «La vie d’Adèle» no es una película sobre la salida del armario de una adolescente. Al contrario que la novela gráfica de Julie Maroh en que se basa, Kechiche prefiere no politizar la homosexualidad. «El cómic se desarrolla en los noventa, en un momento de gran militancia gay», explicó ayer. «Yo, en cambio, quería centrarme en los encuentros de Adèle y Emma, sin lanzar mensajes al respecto». Apenas hay planos generales en el filme. La cámara se pega al rostro de las protagonistas –especialmente el de Adèle, a la que la debutante Adèle Exarchopoulos encarna con una seductora y vulnerable intensidad–, se columpia en sus labios y se bebe sus lágrimas. Es lógico que, cuando llega el sexo, se contemple como el origen del mundo: la primera secuencia entre sábanas, que dura más de diez minutos, es una de las más hermosas de la historia del cine. Sólo hay verdad en ella: el deseo inasequible, el placer de la ternura, cuerpos frágiles en trance de derretirse. A esas alturas Kechiche se ha ganado nuestra empatía, y cuando irrumpe la crisis sentimos exactamente lo que sienten las protagonistas. ¿El triunfo del naturalismo? No, diríamos que el triunfo del cine. Según el diario «Le Monde», Kechiche, que, como Malick, construye sus películas en la sala de montaje, tenía 750 horas de metraje rodado. Sus métodos de trabajo, que consisten en filmar sin decir a los actores cuándo filma, le obligan a encontrar el ritmo interno de la película en posproducción. A veces no lo consigue (por ejemplo, en «Cus cus»), pero cuando acierta, como en «La vie d’Adèle», pone la vida a nuestros pies.

Que es, a su modo, lo que hace Alexander Payne. «Nebraska» retrata a un padre hosco y hermético (Bruce Dern) a través de los ojos de su hijo menor cuando éste decide acompañarle a buscar un premio inexistente, un reclamo publicitario que el viejo ha confundido con un regalo de un millón de dólares. Cuesta creer que «Nebraska» sea la primera película de Payne con guión ajeno, tales son las afinidades electivas con su obra anterior: como en «A propósito de Schmidt» o «Entre copas», el viaje es proceso de conocimiento e iluminación, y su mirada, entre perpleja y cariñosa, hacia la América profunda –y en especial a Nebraska, estado en el que nació y que, con la excepción de «Los descendientes», es su particular Yoknapatawpha– y las flaquezas de los perdedores que la habitan, es comprensiva y cariñosa.

Con el tiempo, el punto de vista de Payne se ha hecho más humanista y menos sarcástico. Lejos quedan los tiempos de «Election», donde la (sana, inteligente) caricatura exacerbaba el patetismo de sus personajes. Lo más fascinante de «Nebraska» es el modo en que la mirada de los otros –una impagable galería de secundarios– desvela los secretos de un hombre opaco, que se ha protegido en su alcohólica hostilidad para no exponer el fracaso de su existencia. Payne habló en la rueda de prensa de que quería que esa figura paterna recuperara la dignidad que se pierde cuando llegas a viejo. Como el David Lynch de «Una historia verdadera», factura una película de generoso aliento poético.

En blanco y negro

El blanco y negro de «Nebraska» evoca el de «La última película» o «Luna de papel» o el de las fotos de Walker Evans. «Son tiempos de depresión, y quizá eso se filtró en la atmósfera del filme», afirmó Payne. «La acabé el pasado viernes. Es imposible abstraerse de lo que ocurre en nuestra sociedad». La decisión de rodar en blanco y negro, que embellece la textura melancólica del filme y de su retrato de un rosario de paisajes desolados, se encontró, como era de esperar, con la reticencia de los estudios. «Hubiera sido más barata en color y, sí, luché contra viento y marea para que me dieran dinero para rodarla como yo quería». Ninguna televisión, recordó Payne, compra los derechos de emisión de una película en blanco y negro. Ninguna televisión comprará los derechos de emisión de «La vie d’Adèle». Y es curioso: a contracorriente, ambas películas son, junto a «Inside Llewyn Davis», lo mejor que se ha visto hasta ahora en el Festival de Cannes.

“Nunca la veréis”, aseguró el actor, quien explicó que se trata de una decisión que no mucha gente hubiera adoptado.

Pese a esa película, reconoció estar orgulloso de su larga carrera y de que el amor haya sido el ingrediente básico en todos sus proyectos.

Y especialmente contento del papel que interpreta en Max Rose, tan alejado de cualquier cosa que haya hecho antes.

Un drama, completamente diverso de la comedia, el género en el que mejor se ha movido el actor, es el regreso de Lewis al cine después de 18 años en los que tan solo ha hecho algunas apariciones en series televisivas.

En una de ellas, Ley y orden. Unidad de víctimas especiales, coincidió con Richard Belzer, que acompañó a Lewis en Cannes, sentado entre los periodistas de la sala.

En Max Rose, el realizador Daniel Noah buscaba a un actor para hacer el papel protagonista y en un primer momento pensó en Dustin Hoffman o en Robert de Niro, pero quería a alguien de más edad y el papel recayó en Lewis.

Un Lewis que tuvo que olvidarse de sí mismo para hacer el papel. Tuvo que alejarse de sus “valores cómicos” y centrarse en la belleza de la historia, porque el director le dijo que había demasiados elementos en él del “loco Jerry”.

“Es muy difícil para el loco payaso que he sido durante 60 años que me pidan que algo diferente”, agregó.

Pero eso fue lo que hizo porque el guión era el mejor que leía en 30 años, le encantó y decidió hacerlo. “Fue (una decisión) muy rápida. Trajo tres millones y dijo, eso es perfecto”, explicó el actor entre las risas de los periodistas y de sus compañeros de la película, entre los que se encontraba el compositor francés Michel Legrand.

Pero entre broma y broma, el actor tuvo tiempo también de lamentar que a la gente mayor se le ponga a un lado y no se les preste atención, de pedir que el amor siga siendo el valor que mueva todo y de sentenciar con una definición del humor.

“El humor es humor. Las risas son risas. Si haces que el humor sea divertido, la gente se reirá”.

“Dean Martin. Está muerto, ¿lo sabe?”, afirmó muy serio el actor ante la pregunta de un periodista por la relación entre ellos. Y ante las carcajadas de los asistentes añadió: “Cuando llegué aquí y vi que no estaba supe que algo iba mal”.

Lewis está en Cannes para presentar, fuera de competición y en sesión especial, la película Max Rose, en la que interpreta a un pianista de jazz retirado que, tras la muerte de su mujer, descubre que su idílico matrimonio de más de sesenta años, no era tan perfecto como aparentaba.

Con jersey rojo y camisa amarilla, Lewis entró caminando con cierta dificultad en la sala de prensa donde recibió un caluroso aplauso por parte de los periodistas, ya entregados antes de empezar la intervención del cómico.

Lewis tomaba fotos con su cámara a los fotógrafos que le captaban a él, interrumpía a sus compañeros de equipo y contestaba cualquier cosa cuando una pregunta no le parecía interesante o, simplemente, no la escuchaba bien.
“¿Por qué está usted gritando?”, interrumpió el actor a un periodista que hacía una pregunta, a quien pidió que bajara el tono de voz. Cuando volvió a tomar la palabra, Lewis apostilló: “habla más alto”.

Y a una de las azafatas que pasaba el micrófono le preguntó: “¿Está usted esperando un sitio?”.

Entre las bromas, las risas y su evidente sordera, Lewis se perdía en algunas de las preguntas, cosa que no le importaba en absoluto. Decía muy serio por detrás a sus compañeros de filme: “estoy diciendo cualquier cosa y cree que estoy contestando a la pregunta”.

Los aplausos y las risas interrumpieron en varias ocasiones una rueda de prensa que precedía al homenaje que esta noche le dedicará el Festival de Cannes a uno de los actores cómicos más importantes de la historia del cine y cuyo único Óscar es un premio humanitario recibido en 2009.

El protagonista de El profesor chiflado parecía que bromeaba hasta cuando hablaba en serio, como cuando dijo que una película que rodó en 1972, “The Day the Clown Cried” y que no se ha estrenado nunca, es demasiado mala para que la vea nadie.

“Es mala porque yo perdí la magia”, dijo Lewis de un proyecto del que hizo el guión y se ocupó de la dirección.

“Nunca la veréis”, aseguró el actor, quien explicó que se trata de una decisión que no mucha gente hubiera adoptado.

Pese a esa película, reconoció estar orgulloso de su larga carrera y de que el amor haya sido el ingrediente básico en todos sus proyectos.

Y especialmente contento del papel que interpreta en Max Rose, tan alejado de cualquier cosa que haya hecho antes.

Un drama, completamente diverso de la comedia, el género en el que mejor se ha movido el actor, es el regreso de Lewis al cine después de 18 años en los que tan solo ha hecho algunas apariciones en series televisivas.

En una de ellas, Ley y orden. Unidad de víctimas especiales, coincidió con Richard Belzer, que acompañó a Lewis en Cannes, sentado entre los periodistas de la sala.

En Max Rose, el realizador Daniel Noah buscaba a un actor para hacer el papel protagonista y en un primer momento pensó en Dustin Hoffman o en Robert de Niro, pero quería a alguien de más edad y el papel recayó en Lewis.

Un Lewis que tuvo que olvidarse de sí mismo para hacer el papel. Tuvo que alejarse de sus “valores cómicos” y centrarse en la belleza de la historia, porque el director le dijo que había demasiados elementos en él del “loco Jerry”.

“Es muy difícil para el loco payaso que he sido durante 60 años que me pidan que algo diferente”, agregó.

Pero eso fue lo que hizo porque el guión era el mejor que leía en 30 años, le encantó y decidió hacerlo. “Fue (una decisión) muy rápida. Trajo tres millones y dijo, eso es perfecto”, explicó el actor entre las risas de los periodistas y de sus compañeros de la película, entre los que se encontraba el compositor francés Michel Legrand.

Pero entre broma y broma, el actor tuvo tiempo también de lamentar que a la gente mayor se le ponga a un lado y no se les preste atención, de pedir que el amor siga siendo el valor que mueva todo y de sentenciar con una definición del humor.

“El humor es humor. Las risas son risas. Si haces que el humor sea divertido, la gente se reirá”.

La película We’re the Millers, la nueva comedia que protagoniza Jennifer Aniston y en la que la actriz encarna a una stripper convertida eventualmente en madre de una peculiar familia, ha divulgado su primer tráiler.

En este, Aniston luce figura espectacular en ropa interior.

En la cinta dirigida por Rawson Marshall Thurber (Cuestión de pelotas) Aniston comparte protagonismo con Ed Helms (Resacón en Las Vegas) que encarna a un capo de la droga y Jason Sudeikis (que ya coincidió con la actriz en cintas como Exposados o Cómo acabar con tu jefe) que da vida a un traficante de poca monta.

Los jóvenes Will Poulter (Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba), el hijo virgen del protagonista, y Emma Roberts (Scream 4), una joven punk inadaptada que malvive por las calles completan la rocambolesca familia de Los Miller, una unidad familiar ficticia creada para servir de coartada al traficante de marihuana para pasar un gran cargamento de droga desde México hasta Estados Unidos.

We’re the Millers llegará a los cines españoles a finales del mes de agosto. Hasta entonces, podemos ver a Aniston desplegando todos sus encantos en su género predilecto, la comedia, en este primer adelanto.

Moustaki murió ayer en Niza a los 79 años, aquejado de una enfermedad pulmonar que lo había alejado de los escenarios tres años antes. Precisamente su último concierto fue en enero de 2009 en Barcelona. Hasta el último momento mantuvo esa imagen poco convencional de “progre” barbudo que exprimió la vida con intensidad. Dicen los nostálgicos que su nombre podría pasar a la historia de la música sólo por su canción “Milord”, que Edith Piaf consolidó como obra maestra, pero la trayectoria va mucho más allá.

Pero dejó muchas más. Unas las cantó/recitó él mismo, otras las ofreció a los mejores de la época, Chico Buarque, Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Yves Montand, Serge Reggiani o Juliette Grecò. “Era un hombre refinado y elegante que tenía una dulzura infinita y, además, talento. Era como todos los poetas, alguien un poco diferente. Las diferencias siempre hacen el talento”, comentó Gréco.

Nacido en Alejandría, de nombre de bautismo Giuseppe Moustacci, de familia muy culta de origen griego e hijo de librero, llegó a París a los 17 años con poco en la maleta, mucho en la cabeza y sus cabellos “a los cuatro vientos”.
Grabó su primer disco en 1960, y por entonces ya se ganaba un dinero con los derechos de autor de algunas canciones célebres. Nunca tuvo una voz poderosa, pero cantaba recitando.

http://www.farodevigo.es

Desafortunadamente, ella fue la última en retratar al ex The Beatle, horas antes de que éste fuera asesinado en 1980 por Mark David Chapman, quien le disparó cuatro veces a la entrada de su edificio en Nueva York.

Otra memorable imagen es la de la esposa de Lennon, Yōko Ono, quien aparece acostada mientras su marido la abraza completamente desnudo. También fotografió a Demi Moore, Mijaíl Gorbachov, George Bush, Sting, Whoopi Goldberg, entre otros

El sol comenzaba a retirarse en el Fòrum y Guillem Gisbert saludaba al público del escenario Ray-Ban. «Feu molt de goig. Molt bona tarda», fueron sus sucintas palabras después de que Manel abrieran fuego con Vés, bruixot! y Deixar-te un dia, y antes de asaltar Ai, Yoko, noble defensa de una de las damas más damnificadas de la historia del rock. Los guiris del lugar no pudieron captar los matices narrativos, pero siguieron complacidos un repertorio con insinuantes pliegues melódicos y creciente fuerza guitarrera. Aunque fueron más los que se desplazaron al escenario Heineken para subirse al globlo con vistas al pop cósmico que levantó a la misma hora el grupo australiano Tame Impala.

Sí, el Primavera Sound abrió su primera jornada completa, con todos sus escenarios en marcha (menos el auditorio Rockdelux, que abre hoy) y variedad de menús. Y Manel se exhibió a una audiencia que, si bien no llenó el espacio (el anfiteatro del Fòrum), fue una de las más voluminosas de su carrera. Como en Atletes, baixin de l’escenari el grupo ha subido el volumen de las guitarras, silenciado ukeleles y aumentado el grosor rockero, la actuación, basada en el nuevo material, no se perdió en el éter y caló con sus armonías vocales y sus desarrollos dramáticos. Tocaron el mismo repertorio que en el ensayo público del viernes en Granollers, sin la tanda de bises. Una hora de actuación con un Gisbert que forzó la voz más que nunca en los clímax de A veure què en fem y Teresa Rampell, y que tocó la guitarra eléctrica sin púa. La clientela catalana celebró con enfática algarabía los rescates de Boomerang, Al mar! y Benvolgut.

Si Manel estrenaba disco, Tame Impala presentaba en sociedad su nuevo bajista, Cameron Avery, después de que Nick Allbrook expresara días atrás, literalmente, su deseo de reintegrarse a la sociedad y aconsejara a sus compañeros de grupo que le imitaran. No parece que vayan a hacerle caso, y podemos entenderlo: en el Primavera Sound movieron multitudes con su psicodelia a ratos neo y a veces rematadamente prog-rock. Composiciones de dimensiones escurridizas como Elephant, Feels like we only go backwards y Keep on lying, ensoñadoras y galácticas, coronadas por la voz aflautada de Kevin Parker.

CIMA ‘INDIETRÓNICA’ / Otra atracción de la jornada fue la reunión de The Postal Service, con el minucioso y microscópico temario de Give up (2003), disco del tocaron no solo su contenido original sino también bonus tracks y piezas incluidas en su edición de 10º aniversario. Y mención especial para Neko Case en su debut en España, con una banda competente (Kelly Hogan en los coros) y un refinado repertorio folk-rock que viajó desde las reconocidas Hold on, hold on y Maybe sparrow al material del disco que debería publicar este año. Una presencia deseada, que puso un sello distintivo al programa de tarde.